AIGC时代 动画还是原来的那个“动画”吗

　　【文艺观潮】

　　作者：李翔，系四川大学艺术学院副教授

　　动画作为一种与科学技术关系紧密的艺术形式，其创作手段、媒介形态和审美趣味始终受到技术演进的影响。正因如此，在新一轮人工智能所带来的生产力革命中，动画领域发生的变化尤为显著。近几年间，AI已被逐步用于剧本写作、美术开发、分镜预演、上色补帧、三维建模、动作设计等创作环节。今年以来，AI赋能动画的趋势进一步提速，从中国首部AIGC动画长片《团圆令》在院线上映，到中央广播电视总台发布《中国AI漫剧大会》《CMG首届中国AI漫剧之夜》项目；从国内众多视频网站加大AI内容扶持力度，到流媒体平台Netflix成立AI原生动画工作室；从Seedance 2.0模型引发全民影像创作潮流，到云南小伙业余创作的AI短片在海外爆火……这些现象都指向一个事实：AI+动画的探索已开始重塑行业共识和大众认知。

　　AIGC动画长片《团圆令》海报。资料图片

　　“动画－实拍”的二分法受到新的挑战，动画又回到影视艺术舞台中心

　　电影《火车进站》剧照。资料图片

　　AIGC对动画的第一个冲击，是让“动画”这一概念本身发生了变化。在国际动画协会的章程中，动画被定义为除真人实拍之外的一切活动图像创造方式。这个排除法肯定了动画手段的丰富性，更强调了动画与实拍的根本差异性。动画与实拍影像都是快速切换的离散帧，区别在于帧的生成途径不同。历史上，动画的诞生早于实拍，无论是费纳奇镜，还是雷诺发明的光学影戏机，其画面都是基于绘制而非拍摄的。然而，随着卢米埃尔兄弟1895年首次公开放映纪录电影《火车进站》，逼真的实拍画面就与“电影”这个词紧密绑定了。即使后来以迪士尼为代表的动画长片也闯出了一片天地，但受限于题材、成本、规模等因素，在日常语境中动画长期以来都只是影视艺术下一个较边缘的子类。

　　最初，动画和实拍泾渭分明，然而随着手工转描、仿真合成、运动捕捉这类手段的引入，动画和实拍开始相互渗透。一方面，真人演员的实际动作会被捕捉记录下来，用以驱动、控制虚构角色的动作表现；另一方面，绘制元素也被引入实拍镜头。列夫·马诺维奇在研究现代数字电影时，认为这意味着作为电影之基石的动画的回归，他在《新媒体的语言》中写道：“电影诞生自动画，它一度把动画排挤到边缘地带，但最终才发现自己不过是动画中的一个个案。”这个断言在CG（计算机图形）时代并未真正成为现实，哪怕是在《阿凡达》这种主要镜头都由3D场景渲染而成的影片中，由于有演员的出镜，仍然被归为真人电影而非动画作品。

　　电影《阿凡达》海报。资料图片

　　AIGC时代的到来让“动画－实拍”的二分法受到新的挑战。AI视频大模型的训练数据包含了海量的实拍片段，但这些内容都被熔炼进了抽象的潜空间，AI生成画面时，图像结构浮现自潜空间，但却并没有哪怕一个像素直接获取自真实世界，AI影像与现实仅仅存在统计学意义上的关联，其索引性已然断绝，因而AI影像与实拍绝缘。于是，从本体论的角度看，所有的AIGC原生影像都可以被视为动画。显然，这里的“逼真”影像和巴赞所说的基于光学决定论的“本质上的客观性”全然不同，AI生成的影像，无论是极端细腻的高清写真，还是刻意模仿老旧影像的情景还原，都不过是一种风格选择。在写实之外，AI还能提供无数种风格，它不仅善于学习既有的风格，还能从数学上补全风格和风格之间的缝隙，让影像的整个风格体系形成一条连续无缝的光谱。在这条光谱中，传统意义上归属于动画的风格在数量上占据绝对多数，而动画所独有的假定性和原生质性，即那些架空的、不稳定的、充满可塑性和流动性的气质也会毫无阻碍地浸润进写实影像之中。至此，“写实”本身也被赋予了新的可能，一段影像可以既是极度逼真的，同时又是极度疏离于现实的。如果说在CG时代这种矛盾的影像还只属于少数特效大片，那么在未来它们会成为新的主流。

　　AI对动画与实拍的缝合，会将影像艺术彻底引向“泛动画”的时代。最近两年的各种AI影展与赛事，已不再像传统电影节那样专门划出动画赛道，而是让所有作品同台竞技，在备受关注的Runway AI电影节中，2025年的入围影片超过半数具有明显的动画特征，剩下的也普遍富有超现实的意味。AIGC院线电影《三星堆：未来往事》采用真人风格，却仍以“动画影片”的身份备案，这也是动画概念扩张的例证。可以预见，基于AI生成的广义上的动画影像将大规模地溢出传统动画的生态位，逐步进入曾经必须通过实拍才能成片的领域。最终，除了需要保证纪实性的内容外，在影视作品中区分到底是动画还是实拍，会变得既困难，在某些情况下也没有必要。至此，马诺维奇的预言真正实现了，动画又回到了影视艺术的舞台中心，动画成了影像本身。

　　动画的创作必须回归到想象力和审美力两个关键要素上

　　从历史演进视角看，人类的视觉生产经历了几种范式：一是绘画，这是身体动作的痕迹留存；二是摄影，这是光学过程的机械捕捉；三是以3D图形为代表的CG渲染，这是基于预设规则的数字重现；四是今天的AIGC图像与视频，这是建立在经验数据之上的概率预测。范式的转变不仅改变了创作工艺和作品形态，更重塑了内容的可能性边界，这里有两个变量尤其重要：易得性与自由度。

　　就影视领域而言，此前实拍影像是相对易得的，但其内容受到了现实的约束；基于绘画或CG的动画是相对自由的，但技术和人力限制了其易得性。AIGC的到来终结了这一困境，充分的易得性与完全的自由度联姻，彻底解放了影像内容的生产力。近期，全球出现了许多24小时、36小时AI短片创作活动，而在戛纳电影节期间一部15人耗时两周制作完成的电影长片更是引发了广泛讨论，这样的创作节奏在以前是难以想象的。除了无与伦比的效率，AI还给予了创作者充分发挥的空间，它带来的不只是成本的量变，而是创作思维和创作重心的质变。

　　今天，AI正在逐步逼近世界模型的愿景。它不只是生成图像，而是能够理解和模拟现实世界运行的规律，并用这种能力去生成、控制画面内容。这种以图像的方式模拟和掌控万物运行的能力，正在成为一种人人可用的基础设施。这对创作力当然是一种强力的支撑。未来的动画在题材选择、叙事方式上都可以更加多元。但另一方面，AI的每次生成都建立在过往经验之上，这也让它倾向于把新内容拉回到一种形式趋同化、表演刻板化、语义模糊化的境地，使用者若不刻意对抗这种引力，很容易批量化地制造出重复、平庸甚至低劣的作品。前段时间传出一些短剧平台创作收益下跌的消息，背后的原因之一就是AI短剧、AI漫剧市场已经逐渐走向一种产能爆发下的低质量内卷，这不是健康的创作生态。

　　在这种背景下，动画的创作必须回归到两个关键要素上，即想象力和审美力。对于前者，当“只有想不到，没有做不到”成为现实，作为创作者究竟能想象到什么，能在何种规模和精度下描述其想象，成为作品创新的起点。这里的想象不只是创造新奇的视觉形象，更是要带领观众去往前所未见的情境，引导他们以新的角度来体察生活，思考人生。对于后者，AIGC动画制作跳过了复杂的工艺和烦琐的劳动，创作者直接面对大模型所提供的漫无边际的潜在选项，如何通过具有品位的审美判断去筛选与迭代这些结果，成为作品艺术质量的保障。这里的审美也不只关乎画面是否美观，更关乎节奏的控制、情绪的把握、趣味的呈现、价值的表达。

　　实验动画《牡丹记》海报。资料图片

　　近期，国内涌现出一些质量较高的AI动画作品。如实验动画《牡丹记》通过柔和细腻的纸艺形象表现晚唐女诗人鱼玄机的生平，风格独特，意境深远；电视动画《国宝奇趣探秘集》聚焦各地博物馆的重点文物，讲述小主角穿越古今，了解国宝知识的故事，生动有趣，寓教于乐。这些作品虽然借助AI生成，但观众并不会感觉到“人”的缺位，创作者们将亲身的经历、丰富的联想、对诗意的追求、对传统的热爱注入其中，让作品富有创意和美感，在形式和内容上完成了统一。

　　AIGC动画的兴起不过两三年光景，短期来看，它会深度重塑动画创作的工艺流程，大幅提高动画内容的产量及其在整个影像领域所占据的比例；长期来看，当人人都能轻松地制造炫目的视觉奇观，动画作品的竞争会进一步聚焦画面背后的精神层面。技术是中性的，它本身无法进行价值判断，AI不会告诉我们到底什么样的动画内容值得被创造和传播，这个问题永远需要具有想象力和审美力，更富有洞察力和共情力的创作者来思考与回答。

　　《光明日报》（2026年08月05日 15版）